英裔美籍藝術家艾瑪·韋伯斯特在貝浩登（香港）舉辦的首次個展「浮煙」中，展出了十一幅最新油畫作品，帶領觀眾踏上一段穿越詭異自然景觀的旅程。這些作品或投射著難以預測的災難降臨前的憂慮，或承受着大自然憤怒的餘波。延續了藝術家對風景繪畫在21世紀如何發展的廣泛探索，這些作品反映了數碼科技領域對自然與實體世界的侵蝕，同時模糊了風景、靜物與肖像之間的界限。

韋伯斯特自將創作專注於風景繪畫以來，从不曾再現現實中的自然景色。這一選擇部分源於她在南加州溫帶恒定的氣候中成長，目睹了現實自然與好萊塢和迪士尼電影中描繪的田園風光，甚至壯麗景觀之間的差距；此外，在探索這一主題悠久歷史的過程中，她意識到，對自然的呈現更多是一種人為的構建，而非真實的再現。

風景畫在16世紀被構想為「關於自然的圖畫」，自然即風景，自然同理也被理解為圖像。這意味著純粹的人類視角構思了非人類的世界，土地成為人類行動、感知甚至物質剝削的舞台。隨著風景畫作為一種藝術流派的興起，儘管描繪自然的方式得以推進，但人類的力量也以威脅世界的方式改變了自然，使其不再適合人類居住。換句話說，人類或神的行動才是核心，而非事件發生的地點。

然而，這個地點始终是人類自文明誕生以來唯一居住的母星地球。在環境破壞與科技驅動的人類力量的侵襲下，地球早已超過生態平衡的臨界點。2024年，內華達州及韋伯斯特工作與居住的加州部分地區經歷了破紀錄的乾旱季節，最終引發了洛杉磯的野火，燒毀了整個生態系統與社區。而網民們則在社交媒體上觀望，懷疑好萊塢的標誌是否已化為灰燼。儘管亟需扭轉對生態系統的破壞，人類仍以推測的方式預測氣候變化，將未來描繪得如同幻影。

韋伯斯特將繪畫視為一種改編與構演，使真實與虛構共存並相互轉化。鑒於風景畫的歷史機遇，這一想法在她於耶魯大學研究生院深造前從事佈景設計時便開始生根發芽。這段經歷讓她相信，風景也可以像戲劇般「佈景」，人類中心主義的困境可以被改編為虛幻的現場或景觀。

藝術家出其不意地將展覽命名為「浮煙」，而作品中則沒有一件直接描繪了煙霧。煙霧作為一種自然現象，懸浮、擴散、隨著如溫度或氣壓等環境條件的變化而轉變。此外，浮煙只有在風力和光照等環境因素變化的情況下才能被人眼察覺。因此，它作為大氣條件變化的度量和表現形式，與展覽作品的內涵不謀而合。煙霧的虛無縹緲、瞬息萬變，無論在本義還是隱喻層面，都與藝術家創作時的共鳴相契合。

創作這一系列作品時，韋伯斯特工作室附近正遭受野火塗炭。令她震驚的不僅是災難讓人回想起全球大流行病的噩夢——戴口罩、從親友口中得知傷亡，還有一種末日與陰霾感，以及在應對這種情況時的茫然，「戰或逃」，人性本能應激反應的缺失令人困惑。儘管事態嚴重，許多人仍在庸常的生活中停滯不前，仿佛被悬置在其中。這種失去重心的感覺悄然體現在每幅作品中。

在這些描繪無人之地的畫作中，以飛翔為本能的鳥類呈現靜止姿態，暗示了它們不自然甚至危险的處境。例如，《阿拉斯加》中的禿鷹與雛鳥棲息在樹枝上；紅雀懸在昏暗背景前的半空；癯瘦的天鵝似乎喪失了形體，倒在一座石碑下；甚至連笨重的黑鳥也有著哥斯拉般的體型，失去了從灼熱的沙漠中起飛的意志。動物龐大的體積佔據了這些畫面的大部分構圖，讓人聯想到浪漫主義時代的肖像風格。同時，石膏表面及3D成像的立體感也暗示了它們在這些虛構場景中可能扮演的神話角色。

韋伯斯特在繪畫創作中採用雕塑這一美學工具，為畫面提供了空間感，也是藝術家在虛構中呈現真實性的一種手法。她混合手工與科技的創作過程，包括使用蠟和石膏製作雕塑，對其進行數碼掃描，再將數碼影像與電腦軟件整合，并在合成畫稿中生成如同舞台般的光影關係，最終轉換到畫布上。這些虛擬世界與實體世界的轉換、互動與整合，突顯了次元界限的流動性，鼓勵觀眾質疑何謂真實、何謂虛構。此外，Oculus和Blender等數碼虛擬裝置也讓藝術家的心靈劇場更顯生動。從編排大幅度的動態揮灑到精心調整微小的細節，韋伯斯特的作品以其夢幻般的魅力和繪畫所帶來的純粹欣悅，引導觀者沈浸其中。

與韋伯斯特使用Oculus生成的多數地形與植被不同，《矮林》中的灌木由真實盆景的3D掃描改編而成，「盆景」本就是被人為操控和改造的人工自然，這種人類對美的理想追求，協同掃描結果中的數碼瑕疵，被進一步人工化。同時，藝術家捕捉其實體經驗也提升了矮木叢的真實感。盆景的倒置比例，從微型變為高聳的巨型，並由仿若揚·凡·艾克在《神秘羔羊之愛》中金色光束的戲劇性光芒照亮，激發出某種令人肅然起敬的時刻。在無聲、無形的風中，捲曲的枝條漫無目標地搖擺，突顯了極端氣候甚至某種社會狀況。

繪畫作為舞台的概念進一步延伸至一系列大尺寸的樹木畫作中。與首次個展「Illuminarium」中的森林交錯與地形變遷不同，韋伯斯特選擇了更精緻、近乎直觀的構圖，在廣闊原野上點綴單顆或小叢樹木。以《林邊》為例，畫作以藝術家童年住所的街道命名，或在字面上明指擱置于一旁的木頭，可能暗示人類過度砍伐森林等現狀。儘管前景樹木與後方陰影之間看似隔著遼闊空間，但樹木在穩定畫面中展現出力量與韌性。雖然懸於樹木與樹影間的太阳使用了類似暈塗法的技巧——在許多偉大畫家（如克勞德·洛蘭與尼古拉·普桑等）的風景畫中都可見到——韋伯斯特卻讓光源彼此競爭，將虛構的呈現方式与歷史風景畫的理想模型互相參照。

韋伯斯特深知繪畫和戲劇中的光線具有捕捉觀眾目光的功能，因此她精巧地为畫面製造光感，这些點亮的位置不僅令觀眾產生好奇，也賦予其敬畏與庄重感。與此同時，畫面的光感認知建立了清晰的圖層，以及前景與背景之間的關系。例如《山中密林》的前景暗淡，暗示眼前的朦朧，而將亮度放置於空間深處，遠高於聳立的樹木，廓清了某種莊嚴乃至神聖的場景。在《晚霞》中，荒蕪的樹木露出樹皮，看起來像是被石化了一樣，畫面左側的強大光源讓人聯想到原子彈爆炸的情景。然而，兩叢樹木屹立不倒，攜帶著世界末日時的無助與哀傷。

《製作的方法》描繪一株小小的三葉草及其廣闊的陰影，以崇高感引發對靈性的討論。作品構圖中對光線與比例的使用，讓人聯想到威廉·布雷克和弗雷德里克·丘奇等先知畫家似曾相識的畫面。與這些超验畫家的願景不同，韋伯斯特在背景底部放置了一束强光，賦予三葉草的陰影一種肅穆甚至带有威脅性的氣勢。

艾瑪·韋伯斯特的創作描繪了當代人類直面科技與環境衝擊的時刻。她的繪畫作品以「舞台」排演虛構場景，以科技參與的人工視角，迫使人類反思自身所棲居的世界的實際狀況，以及在推動改變時的能動性。正如展覽標題所暗示的，改變與轉型是當下的常態。