「大眾是審查者，但卻是心不在焉的審查者。」華特·班傑明

這次群展《消逝》彙集了八位藝術家的重要作品，包括賈娜·貝尼特斯（1985年生於美國）、戴爾·弗蘭克（1959年生於澳大利亞）、塗鴉先生（1994年生於英國）、米高·科爾曼（1987年生於斯洛伐克，現居法國）、A.A. Murakami（1983年生於英國及1984年生於日本）、圖格拉與塔格（1976年及1979年生於印度）、張健君（1955年生於中國）及朱金石（1954年生於中國），體現藝術內在的時間性和感性。通過擁抱視覺體驗的短暫性，展覽旨在與觀眾產生連接，並激發出新的意義。

在資訊時代生活的邏輯決定了我們識別不同圖像的方式；各色各樣的視覺字節瞬間被我們的大腦儲存，幾乎沒有什麼意義。後機械複製時代藝術的意義是什麼？當代藝術從作為精神指導轉向主張更廣泛包容性的工具。藝術越來越讓觀眾沉浸在思想的海洋中，但卻使我們越來越難集中注意力在單一的想法上。

在《機械複製時代的藝術作品》一文的結尾段落中，華特·班傑明寫道：「心不在焉的人也能養成習慣。更重要的是，在分心狀態下完成某些任務的人，證明了他們的解決方法已成習慣。藝術所營造的分心呈現了統覺對視覺的控制。」雖然班傑明的論文重點探討移動圖像及其對大眾的心理影響，但二維藝術和時基媒體之間的界線正變得越來越模糊。現代人通過各種社交媒體平臺的廣泛傳播觀看藝術品，從而促進了對藝術的電影式閱讀。

心不在焉或健忘已成為當下常態。統覺剝奪了第一次觀看事物的樂趣，現在當我們觀看一件新事物，便會受潛意識內在的假設所影響，難以重拾一種嶄新的藝術欣賞視角。針對由西方提出的「光明與黑暗不可共存」等二元對立觀念，抱持相反意見的已故一行禪師說：「善惡之間的對立常被比作光明與黑暗，但若換個角度看，就會發現當光明照耀時，黑暗並不會消失，而是融入其中，成為光明的一部分。」藝術的本質不僅在於其辯證性，還在於它激發自我發現和轉化的潛能。

賈娜·貝尼特斯的繪畫實踐探索了佛教、道教和密宗的概念，以繪畫作為一種身心靈的探索。她那具有張力和活力的作品在抽象與具象間游走，傳達一種充實與虛無，存在與消逝的感受。《擊中陽光》、《伊莎朵拉》和《山谷精神》都是關鍵的例子，它們作為哲學和精神理想的元表現，視藝術為一種療愈的形式。

塗鴉先生的創作風格常以黑色墨水在白色背景上繪畫，營造出一個迷人的世界，滿載著奇特的生物和擬人化的形態。他的自由手繪塗鴉帶著流動而催眠般的節奏，從展覽作品《塵土飛揚的花》和《日子》中可見，把平面空間填滿，更在最終溢出畫面，覆蓋世界的每個角落。作為一種釋放或冥想的方式，他的創作過程流暢、即興且具治癒性，帶領觀者深入他的想像世界，試圖傳播一種驚奇、混亂和希望的感覺，同時探索他在宇宙中的位置。

戴爾·弗蘭克以顏色、形式等通用視覺語言作為媒介，將人們帶入潛意識領域，並將這種非語言的交流轉化為實在的體驗。他的作品描繪抽象的畫面，令作品散發著華美的色彩和珠寶般的光芒。弗蘭克獨特的作品標題注入了心理元素，暗示著不可預知的結果。他運用了有機玻璃，強調物質之間的分離關係，挑戰觀者去思考自己對所見的解讀。

米高·科爾曼從大自然汲取靈感，在畫布上轉化成植物、花卉和花園。他著迷於光、色彩和形式，會添加裝飾性的「圖案」以打斷它們的存在。科爾曼採用超平面、景泰藍風格的技法創作油畫，音樂是他重要的創作靈感。正如他引人入勝的新繪畫系列《十二月花》，不會枯萎的切花傳達出一種永恆感。雖然科爾曼主動避開政治主題，但他的作品飽含個人特色，專注于生活中的平靜、日常時刻。他將繪畫視為一種智力活動，吸引觀眾臆想超越作品表面的細節和意義。

圖格拉與塔格的作品模糊藝術與流行文化之間的界線，他們的作品充滿玩味，評論了消費文化全球化及其對印度身份認同的影響。他們所創作的《神話新解》繪畫系列敘述了毗濕奴（Vishnu）最後化身為迦爾吉（Kalki）的故事，反思社會如何被塑造去看待神明和祈禱，該系列畫作探討了精神與數學之間的聯繫。這對藝術家深入探索他們自身的潛意識，並質疑我們對傳統信仰體系和制度結構的依賴。他們選擇直覺性的創作過程，而不是遵循西方現代主義的規範，試圖描繪出嶄新未來的預言性願景。

張健君藝術實踐的核心，在於運用水墨探索道家關於時間與存在的概念。他的《第一滴水》系列（2015–2016年）將過去與現在融為一體，該系列基於1990年代創作的頌贊形式多變的《池》系列。張健君以中國傳統水墨畫的幾何形式貫穿其整個創作歷程，描繪物質與宇宙的關係，並以水作為象徵呈現道家信仰，反映出東方宇宙觀和存在主義對於他的抽象繪畫的影響。

藝術家組合A.A. Murakami創作的《第一天》是一塊巨大的半透明彩色漸變玻璃，能透出畫廊外的日光，營造出更自然的觀賞體驗。藝術家們受日本戰後建築運動代謝派（Metabolism）所啟發，結合先進科技和風土美學，探索後現代世界的文化、歷史和經濟轉變。出於對物質及其如何塑造人類社會的好奇，A.A. Murakami試圖通過將材料研究、新技術及其自身的藝術和建築背景相結合，試圖打破夢想與現實之間的模糊界線。A.A. Murakami的跨領域作品旨在呈現自然、建築環境、人體與生態、技術和地質之間迴圈和變化的關係。

朱金石的作品《三十道一》和《三十道二》通過靜物捕捉了短暫的體驗，邀請觀者探索道家哲學的隱喻與物質性。他獨特的厚繪畫風格利用了厚重且質感豐富的色彩，創造出雕塑般的立體效果。他畫作的表現力源於油漆本身的「流變」特性，並將作品視為自成一體的視覺系統，體現了道家思想的啟發。他使用畫板和鏟子等非常規工具，賦予畫作一種宏大的自然力量。